Las ruinas de la ciudadela de Chan Chan

Ruinas de Chan Chan          Altorrelieves

Las ruinas de la ciudadela de Chan Chan se encuentran ubicadas en el valle de Moche frente al mar cerca de la ciudad de Trujillo, situada en la costa norte del litoral peruano a 554 kilómetros al norte de Lima y conocida como la «Ciudad de la Eterna Primavera», «Capital Nacional de la Marinera» y como «Capital de la Cultura del Perú».

Nos podemos preguntar qué hacer en Trujillo mi respuesta sería ver las ruinas de Chan Chan que encontramos a sólo cinco Kilómetros. Remontándonos a su pasado, las ciudadelas fueron residencias de la élite, áreas de administración y tumbas de los reyes Chimú.

Esta impresionante ciudadela se compone de diez conjuntos amurallados en los que se han podido reconocer tres tipos de arquitectura:

‒ Monumental, con cercas rectangulares, utilizadas como residencia de la clase social alta y como templos.

‒ Intermedia, relacionada con construcciones de adobe donde vivieron los miembros de la baja nobleza y los curacas (gobernadores) locales.

‒ Popular, es la más sencilla y está compuesta por construcciones de caña y barro utilizada por los artesanos.

La construcción de esta belleza arqueológica fue realizada con materiales propios de la región: muros de adobe sobre cimientos de piedra unidos con barro, más anchos en la base y estrechos en la cima. Para los pisos, las paredes, las rampas y las plataformas, se emplearon adobes rotos, tierra, piedras y otros desechos. La madera se usó para hacer postes, columnas y dinteles. Los techos fueron confeccionados entretejiendo atados de paja.

Destaca la gran preciosidad, variedad y cantidad de muros decorados con altorrelieves de combinaciones geométricas, peces y aves.

Las ruinas de la ciudadela de Chan Chan son un lugar que atrae un turismo culto, si os interesa visitarlo, os recomiendo una visita guiada para disfrutar de todo el recorrido que dura una hora aproximadamente.

Espero y deseo que el cambio climático y otros factores humanos no hagan estragos en este lugar privilegiado que debemos conservar.

El Skygarden de Seúl

Autovía antes del Skygarden  Skygarden de día  Skygarden de noche

El Skygarden de Seúl (Corea del Sur) es un jardín urbano construido y diseñado por la empresa holandesa MVRDV que ganó el proyecto en el año 2015. Un proyecto complejo que consistía en transformar un viaducto de los años setenta en un jardín público, superponiendo todo tipo de flora coreana sobre una estructura de acero y hormigón de 16 metros. Desde el principio, MVRDV se comprometió en sustituir el viaducto por un paseo con zonas verdes, colaboró con el estudio de ingeniería surcoreano KECC, con las ONGs locales, con los equipos de paisaje y con los asesores de la ciudad para implantar la mayor diversidad de flora posible en una zona urbana.

El Skygarden de Seúl planteó grandes dificultades para sus creadores dado el frenético ritmo de la población y del tráfico. En sólo dos años han logrado construir un paseo de un kilómetro de longitud, con caminos y puentes que lo conectan con los edificios circundantes. Han plantado más de 24.000 árboles y plantas distintas, a 17 metros de altura y en estricto siguiendo orden alfabético de Seúl, incluyendo un complejo sistema de riego integrado en el suelo de todo este paseo. Han construido pequeños jardines, cada uno distinto para que su paisaje cambie según las estaciones, alternándose los colores brillantes de las hojas en otoño; la floración de los cerezos y el rododendro en primavera; los árboles coníferos de hoja perenne en invierno y los arbustos y árboles que dan fruto en verano.

El Skygarden de Seúl permite disfrutar de momentos de ocio porque durante su recorrido, se encuentra una biblioteca dedicada al propio jardín, un café, un escenario para representaciones artísticas, un teatro de marionetas y han instalado, en algunas de las macetas, pantallas en las que los visitantes pueden contemplar presentaciones multimedia sobre la ciudad.

El Skygarden se ilumina por las noches con luces azules que emiten 500 lámparas Led que contrasta con la iluminación blanca y amarilla de Seúl.

Todo el proyecto ha tenido un coste de 55 millones de euros que piensan poder amortizarlo pronto. El proyecto sigue vivo y piensan construir nuevas plantas, ascensores, escaleras mecánicas y jardines que puedan conectarse al Skygarden, brotando de los muelles estructurales existentes.

Un excelente proyecto inaugurado el pasado 20 de Mayo que proporciona un espacio natural en medio de una zona donde sólo había asfalto y hormigón.

Crockett & Jones: profesionales del calzado

Charles Jones James Crockett   Perry Street   Zapatos

Opino que lo que caracteriza el “estilo inglés” es la elegancia y la sobriedad, cualidades esenciales en cualquier ámbito. Os cito algunos ejemplos de los aspectos que más me atraen de la cultura británica.

– Su literatura clásica: William Shakespeare, Charles Dickens, Arthur Conan Doyle, Gerald Durrell y Rudyard Kipling.

– Sus actores: Vanessa Redgrave, Emma Thompson, Helen Mirren, John Cleese, Michael Caine, Cary Grant, Jeremy Irons y Ralph Fiennes.

– Sus músicos: Sting, Eric Clapton, Elton John y Phil Collins.

– Su humor: “Cuando pensamos en el humor inglés nos referimos a aquel tipo de humor cuya base es la ironía. Es un humor más bien refinado, con un uso muy adecuado del lenguaje y de las normas sociales, pero que sin embargo puede ser muy punzante. Es un humor inteligente, al que hay que darle más de una vuelta”.

– Su decoración utilizando maderas nobles.

– Sus prendas de tweed o de cheviot y sus zapatos.

El artículo de Leonor Carnicer que ha publicado en SPEND IN es el motivo de esta entrada. Nos relata la historia de la firma de zapatos Crockett & Jones. Os transcribo parte de ella:

“La legendaria firma de calzado Crockett & Jones fue fundada en Northampton (Inglaterra) en 1879 por Charles Jones y su cuñado James Crockett. Comenzaron el negocio con una concesión de cien libras cada uno del fideicomiso Thomas White, que pretendía 'alentar a los jóvenes de buen carácter en las ciudades de Northampton y Coventry a iniciar sus propios negocios'”.

"Uno de los factores que resultaron determinantes en su éxito durante la Revolución Industrial fue que los maestros zapateros se mantuvieron firmes en la creencia de que era necesario invertir en una mano de obra de alta cualificación. Sus zapatos, realizados con métodos centenarios, requerían más de 200 operaciones diferentes que debían realizarse en un periodo de ocho semanas".

"La primera manufactura fue un pequeño edificio en Carey Street, que contaba con 20 empleados y fabricaba botas de caballero. En 1910 Crockett & Jones construyó un nuevo edificio, el primero realizado con una estructura de acero y vidrio de toda la ciudad, que proporcionaba una excelente luz natural a los trabajadores".

"En 1911 recibió el Diploma D’Onoro en la Exposición Internacional de Manufactura de Turín por sus diseños y en 1914 Sir Ernest Shackleton empleó su calzado en las expediciones para conquistar el Polo Sur".

"En 1927 comenzó a trabajar en la empresa familiar la tercera generación. En aquellos momentos la compañía empleaba a unos mil trabajadores y había alcanzado una producción de 15.000 pares de zapatos por semana".

"Durante la Segunda Guerra Mundial Crockett & Jones produjo cerca de un millón de pares de zapatos para las fuerzas armadas. Para alcanzar semejante cifra, contaron con la ayuda de hombres retirados y mujeres casadas, que colaboraron patrióticamente durante el conflicto bélico".

"La gran reputación de la marca está basada en la buena praxis que han sabido desarrollar cinco generaciones de artesanos y empresarios. El hecho de que el negocio permanezca en manos de la familia que lo comenzó asegura la experiencia del pasado y le confiere un toque personal a las innovaciones futuras".

En el año 2004, la fábrica de Perry Street fue clasificada como monumento histórico de categoría II para preservar la historia del comercio del calzado en Northampton. El edifico ha cambiado muy poco desde los años 30.

La formación de los nuevos empleados se sigue haciendo a la antigua usanza, pasando por cada departamento de la fábrica para conocer y aprender el proceso de fabricación. Su reto es encontrar trabajadores honestos que se centren en el aprendizaje de un oficio que permanecerá con ellos el resto de sus vidas.

Comparto la reflexión de Jonas Salk: “La recompensa del trabajo bien hecho es la oportunidad de hacer más trabajo bien hecho”.

Podéis deleitaros viendo su proceso de fabricación. Espero que os guste.

El espejo de Viganella: "Hágase la luz". Y la luz se hizo.

I     II   III

La luz del sol es primordial para mí en cualquier estación del año, por ello, cuando vi las imágenes del pueblecito italiano Viganella que, gracias al proyecto “Lo specchio di Viganella” (El espejo de Viganella) puede disfrutar de ella desde el año 2006, me entusiasmé.

Viganella está ubicado en el Valle Antrona rodeado de montañas y la más alta, con una altura de 1.600, metros ocultaba el sol en el mes de noviembre sumiéndolo en una oscuridad casi total durante 84 días seguidos.

Fue Pierfranco Midali un trabajador ferroviario quien, en vez de emigrar como hicieron muchos jóvenes, decidió quedarse aportando una brillante idea: llevar el sol a su pueblo.

Logró ser elegido alcalde y se puso en contacto con el arquitecto Giacomo Bonzani diseñador del proyecto. Durante siete años viajó alrededor del país intentando conseguir la financiación de cien mil euros que necesitaba para llevarlo a cabo. No se rindió hasta obtenerlos y por fin se hizo realidad su sueño.

El proyecto “Lo specchio di Viganella”.

Una gran estructura de once toneladas situada en el monte Scagiola (a más de mil metros sobre el nivel del mar) sostiene un espejo de acero bruñido con una superficie de 40 metros cuadrados. Consta de 14 paneles que captan y reflejan la luz solar. El espejo está controlado por un programa informático que rastrea el sol y hace que los paneles del espejo se inclinen y giren de manera que los rayos se reflejen siempre hacia el pueblo.

Como dijo Napoleón Bonaparte: “Con constancia y tenacidad se obtiene lo que se desea; la palabra imposible no tiene significado”.

Nuestra capa española: tradición y elegancia

Capa española

Hace unos días vi expuesta una capa española, era preciosa, erróneamente creía que esta prenda era obsoleta; sin embargo, al indagar me ha sorprendido que hay en casi toda España Asociaciones de Amigos de la capa que la utilizan e intentan promocionarla.

Existe una definición antigua que engloba su historia:

La capa, esa atmósfera de tela ondulante y obsequiosa, es memoria tejida de nuestra historia. Evoca ritos ancestrales, mantos senatoriales, tercios guerreros; tiene aromas de estudiantes que corrían la tuna en Palencia o Salamanca y trae recuerdos de intrigas y embozados en la corte de los Felipes; saca color y buen aire de las faenas toreras y se torna en rico brocado sobre las vírgenes de las procesiones; es peto y espaldar para campesinos y pastores, arrebato volandero en los jinetes y cobertura sobria de penitentes y cofrades; comporta el buen porte de los próceres, escondía la bolsa ruin de los hidalgüelos y abrigaba los cuerpos tenaces de los peregrinos, en su visita al señor Santiago.

Según la RAE es: “capa de hombre, de paño, de amplio vuelo, usualmente con los bordes delanteros forrados de terciopelo”, la única salvedad es que la utilizan también las señoras.

La capa española se compone de: cuello, esclavina, embozo, contraembozo, broches, abertura e escusón y vivo.

Su origen, tal y como la conocemos hoy, se remonta a los siglos XIII y XIV coincidiendo con la implantación de la industria textil lanera en Béjar. En el siglo XVI, la longitud de la capa reflejaba el nivel social de su propietario:

• Capa corta: mayor nobleza.

• Por encima de la rodilla: gentilhombres.

• Por la rodilla: artesanos.

• Larga hasta los pies: campesinos y villanos.

En el siglo XVIII con la llegada de La dinastía de los Borbones españoles, las capas se fabricaron con tejidos más ligeros y con colores más vivos, ampliando su longitud, de acuerdo con los gustos de la época. Los diferentes colores marcaban las diferencias sociales: las de color grana eran características del pueblo bajo.

Es en el siglo XIX cuando la capa española, en todas sus modalidades, conoció su máximo esplendor. Se sustituyeron los colores vivos por el negro, castaño, azul o verde oscuro y se le dio más vuelo, la esclavina se hizo más corta y además se forraron los embozos de piel, lana o terciopelo.

A principios del siglo XX las modalidades de capa española se redujeron quedando prácticamente un solo modelo: la capa negra o azul marino con amplio vuelo y unas bandas de terciopelo de color vivo como forro en los bordes delanteros embozo y contraembozo, el cuello se encuentra rematado por dos broches que forman el ornamento de la prenda. Son de origen salmantino y, además del cordón negro de seda, pueden ser de plata, oro, brillantes, etc. En la capa se suelen utilizar entre cuatro metros y medio hasta cinco de paño de doble ancho.

La capa española también tiene su patrón San Martín de Tours inmortalizado por El Greco en su cuadro San Martín y el mendigo cuya festividad es el 11 de noviembre día en el que se celebra El día de la Capa.

Su patronazgo deriva de una preciosa historia: siendo soldado de la guardia imperial romana un día de frío invierno, Martín encontró a un pobre desnudo que imploraba su caridad. El joven soldado, sin vacilar, tomó su espada y cortó por la mitad la capa que vestía, dándole una de las partes. Fue objeto de burlas por parte de sus compañeros, pero la acción caritativa fue dulcemente recompensada, ya que la tradición cuenta que aquél mismo día por la noche, vio en sueños a Jesucristo vestido con el mismo trozo de tela que había dado al mendigo.

Nuestra capa ha sido perpetuada en el retrato que realizó el pintor valenciano Alejandro Cabeza a S. M. El Rey Juan Carlos I de España, Camilo José Cela la vistió al recibir el Premio Nobel y Pablo Picasso fue enterrado con su capa.

El actor Pierce Brosnan en una de sus visitas a España compró varias y a mi querido Michael Jackson en 1988 Manolo Díaz presidente de CBS le impuso la capa española en otro de sus viajes.

Este año el XIV Encuentro Nacional de la Capa tuvo lugar en Segovia los días 16, 27 y 28 de octubre y reunió a más de seiscientos capistas de veintisiete Asociaciones de toda España.

Como suelen decir los capistas “El abrigo se pone, pero la capa se lleva”.

Para mí la capa es referente de elegancia. Si os animáis a compraros una y queréis saber cómo utilizarla este vídeo os será útil:

El Abanico en España

Partes del abanico                      Abanico de encaje

        

Es ahora, en verano, cuando más se utiliza este sencillo accesorio que siempre me ha gustado: el abanico.

De niña tenía uno blanco con encajes, un poco cursi, pero me encantaba y, aunque trataba de imitar a mi madre o tías que se abanicaban maravillosamente, no conseguí tener nunca esa destreza a pesar de mi tesón.

Ahora tengo bastantes de mi familia. Los tengo guardados como un pequeño tesoro, hasta que encuentre tiempo para enmarcarlos.

Os contaré un poco de su origen:

se remonta hasta la Dinastía XIX de Egipto (años 1295 a 1186 a. C) pero, en España, las primeras referencias que tenemos de él según Mª Teresa Ruíz Alcón es en la Crónica de Pedro IV de Aragón (siglo XIV), en la que se cita como oficio de los nobles que acompañaban al rey "el que lleva el abanico". Hay también referencia de este utensilio en los inventarios de bienes del pintor Bartolomé Abella (1429), en el del Príncipe de Viana y en el de la Reina Juana I de Castilla. Estos abanicos eran rígidos y de forma redondeada y utilizaban como materiales la palma, la paja, la seda y las plumas de pavón.

El siglo XVIII fue la época dorada del abanico en España: llegó a España el artesano francés Eugenio Prost (protegido del conde de Floridablanca) convirtiendo a España en uno de los principales productores del mundo rivalizando con franceses e italianos. Se crea en Valencia el Gremio de Maestros Abaniqueros y la Real Fábrica de Abanicos (a principios del siglo XIX).

Esta tradición del abanico parece estar enraizada en Valencia donde actualmente siguen fabricándolos artesanalmente: Abanicos Andrés Pascual, Abanicos Antonio Benlloch y Artesanía Lola Blay Villa, aunque también existen tiendas de abanicos en otras ciudades de España.

No puedo finalizar esta entrada sin añadir lo que conocemos como "el lenguaje del abanico", la habilidad que tenían las damas para comunicarse sutilmente con sus admiradores:

• Si escondía los ojos detrás del abanico: Te quiero.
• Si se abanicaba con rapidez: Estoy comprometida.
• Si se abanicaba lentamente: Estoy casada.
• Si se pasaba el abanico por la mejilla: Te amo.
• Si se pasaba el abanico por los ojos: Lo siento.
• Si se quitaba con el abanico el cabello de la frente: No me olvides.
• Si tenía el abanico en la mano izquierda: Deseo conocerte
• Si lo abría despacio: Espérame.
• Si lo abría y lo cerraba: Eres cruel.
• Si lo cogía con el dedo meñique: Adiós.
• Si lo abría y se tapaba la boca: Estoy sola.
• Si lo movía con la mano derecha: Quiero a otro.
• Si lo dejaba deslizar sobre los ojos: Vete, por favor.
• Si lo movía con la mano izquierda: Nos observan.
• Si tocaba con el dedo el borde: Quiero hablar contigo.

Estoy segura y me alegra pensar que el abanico no desaparecerá.

Louis Cartier y su simbólico reloj Tank

boceto	reloj Cartier Tank 1919
dibujo	reloj Cartier Tank 2012

¿Quién no conoce la prestigiosa firma Cartier? Sin embargo, la curiosa historia de su reloj Tank diseñado por Louis Cartier la he descubierto en un reportaje de la revista SPEND IN magazine realizado por Leonor Carnicer cuyo título es Tank de Cartier. Os aseguro que merece la pena leerlo completo: observar las fotografías que en él aparecen, las personalidades que lo compraron y lo siguen comprando y la evolución de este reloj hasta hoy.

En palabras de Leonor: “Lo que catapultó al estrellato a Cartier fue el modelo Tank… Louis Cartier comparó el diseño del Tank con la forma de un carro de combate visto desde arriba, de modo que las angarillas representaban a las orugas y la caja al habitáculo del tanque… Los primeros bocetos datan de 1917 y su comercialización y éxito meteórico comenzó en 1919…. Cartier comprendió que esta creación iba a transformar la naturaleza de los relojes y a revolucionar su mundo para siempre, de modo que dedicó los primeros años del siglo XX a investigar nuevas formas de adaptar el círculo de las horas a la silueta del brazalete y a depurar el diseño de las asas para integrarlas en la caja. Tras este concienzudo estudio, la firma encontró la armonía perfecta entre todos estos elementos y dio vida al modelo Tank”.

A Louis Cartier le fascinaron los tanques, esos monstruos de acero que aparecíeron en los campos de batalla durante la Gran Guerra, por ello decidió rendirles una especie de homenaje al crear este modelo de reloj. Estaba en contra de la guerra, por ello en el dibujo de su reloj escribe “Si todos los tanques fueran fabricados por Cartier, tendríamos tiempo para vivir en paz”; además, el primer reloj de esta serie (modelo en platino) no fue vendido hasta el 12 de Noviembre de 1919, un año y un díaño después de la firma del armisticio de Rethondes que puso fin a la Primera Guerra Mundial. Louis Cartier no quería comercializarlo hasta que la Paz fuera definitiva.

En este vídeo podéis ver el meticuloso proceso de fabricación. Como dijo Jonas Edward Salk: "La recompensa del trabajo bien hecho es la oportunidad de hacer más trabajo bien hecho."

Stella McCartney: el auténtico lujo

Fotografía

Hace unos días viendo el trabajo de jóvenes diseñadores de moda me sorprendió la sencilla fotografía de Stella McCartney y decidí hacer esta entrada.

Para mí y la mayoría de mi generación el apellido McCartney está relacionado con Paul y Linda, sus padres, aunque actualmente en el mundo de la moda es Stella la que prevalece.

Nació el 13 de septiembre de 1971, desde niña le encantaba el diseño y estudió en Central Saint Martins College of Art and Design dónde se graduó en 1995.

Desde entonces ha colaborado con prestigiosas marcas de moda hasta el año 2001 fecha en la que lanzó su propia casa de moda con el Grupo de Lujo PPR y mostró su primera colección en París.

Cuando hace años aparecieron las primeras imágenes sobre la matanza de focas me sentí abrumada ¿tanta crueldad para fabricar abrigos de piel? No lo entiendo, Stella tampoco por esto es colaboradora de PETA (organización que rechaza la matanza de animales para utilizar su piel con fines comerciales) y no utiliza ningún tipo de cuero o pieles en sus diseños, sólo tejidos naturales como lana, algodón, lino o seda.

Actualmente tiene tiendas independientes en Manhattan, Londres, Los Ángeles, París, Milán, Roma y Miami. Sus colecciones se distribuyen en más de 50 países a través de cuentas al por mayor, incluyendo 600 tiendas especializadas y grandes almacenes.

El 30 de agosto de 2003 contrajo matrimonio con el editor británico Alasdhair Willis y tienen cuatro hijos dos niños: Miller Alasdhair James Willis (2005), Beckett Robert Lee Willis (2008) y dos niñas: Bailey Linda Olwyn Willis (2006) y Reiley Dilys Stella Willis (2010).

En varias entrevistas ha declarado sus prioridades y desafíos:

• "Mis padres me enseñaron a entender que compartimos este planeta. La idea de que hay que responsabilizarse de lo que extraemos de la tierra no es algo que necesitase lecciones sino que me vino de forma natural".

• "Cuando me levanto por la mañana, el número uno es que soy una madre y una esposa, y el número dos lo ocupa la ropa de diseño".

• "Lo principal que tengo que hacer es crear. Yo soy diferente y estoy haciendo algo diferente".

• "Nos gustaría mejorar en todo lo que podamos. Usamos algodón orgánico y algodón convencional. Mi trabajo es crear cosas bellas de lujo. Me encanta que la gente venga a la tienda y ni siquiera sepan que algo es orgánico o piel sintética. Ese es el desafío más grande, que haya gente que no se dé cuenta".

• "Matar a un zorro para confeccionar un abrigo de pieles es cruel. Lamentablemente, a muchos diseñadores eso les da igual. Piensan sólo en el dinero. Es más fácil y rentable trabajar con piel. Es cuestión de prioridades. Porque si quieren, pueden decir no, como yo. ¿La verdad? Para mí, usar pieles es una propuesta demodé. ¿Diamantes? ¿Pieles? ¿Un Bentley? Eso no es lujo... Lujo es una flor que sabes que se marchitará, un recuerdo que quieres conservar para siempre en la memoria, un momento compartido con mis hijos… ¿Qué inspira mi trabajo? Mis amigos, mi ciudad, la calle… Y sobre todo, mi intuición. Viajar para buscar ideas resulta complicado con cuatro niños".

Stella mereces triunfar como lo estás haciendo y deseo que mantengas tu sensatez, tu forma de ser y tus preciosos diseños:

Santiago Calatrava laureado en todo el mundo ¿Y en España?

Calatrava

Conocemos a Santiago Calatrava sobre todo como arquitecto, y quizás no tanto sus esculturas, bocetos, cerámicas, maquetas,... que le convierten en un consumado artista.
Sus diseños en toda su obra son únicos, llenos de armonía, de luz... una estética que sobresale entre toda la chabacanería de la que estamos lamentablemete rodeados. Me encanta su forma de trabajar y estoy segura de que pasará a la historia como se merece un artista como él.

Bocetos	Esculturas
Maqueta: Palacio de Congresos de Oviedo	Cerámica

Estas son dos obras  reconocidas mundialmente, dos estilos diferentes.
Respeto las preferencias que tiene cada persona, pero sin cuestionar las opininiones, elijo el Turning Torso.

Torre Swiss Re, Londres

Turning Torso, Malmö

Desaría que en nuestro país tuviéramos más obras suyas. Tuvimos una oportunidad en Zaragoza en la Expo del 2008, pero se optó por contratar a arquitectos extranjeros....

Como dijo en Oviedo en elcomerciodigital.com :«No busco ser entendido, busco ser libre» ... «Cuando uno transgrede convenciones se hace difícil de entender».
Os aconsejo un vídeo Tres arquitecturas-Santiago Calatrava muy interesante en el que escucharéis y veréis todo lo que hay que saber de él para luego poder hablar y juzgar con sensatez.