Mihaela Noroc: "The Atlas of Beauty"

Mihaela Noroc         Mexico           Letonia

La fotógrafa Mihaela Noroc ha reunido una colección de 37 retratos de mujeres anónimas para mostrar la diversidad de la belleza femenina en el mundo.

Nació en Bucarest (Rumanía) hace 30 años. Le gusta viajar y ha recorrido hasta ahora 60 países con su cámara fotográfica y su mochila.

Hace dos años comenzó un viaje por todo el mundo, recorrió 37 países y comenzó un proyecto independiente único sobre mujeres de todo el mundo “The Atlas of Beauty en el que ha ido recopilando sus fotografías.

Durante un viaje a Etiopía descubrió una belleza plural y sorprendente alejada de los estándares occidentales: "Allí se encontraban estas mujeres espléndidas que conservaban sus tradiciones y asumían sus orígenes con orgullo. Demuestran que la belleza consiste en ser ante todo una misma”.

Sus preferencias:

• Los bulevares modernos de Tokio, las calles atestadas de Nueva York y las comunidades remotas de África o Amazonia donde viven desde hace 200 años y en las que puede dormir en sus casas.

• La variedad de la Tierra, la diversidad de la gente y descubrir su lado sincero y auténtico.

Su objetivo es mostrar la diversidad de nuestro planeta demostrando que lo más importante es conservar lo que nos hace diferentes y valorar los rasgos que diferencian a los demás.

Por el momento "The Atlas of Beauty" ha sido financiado con los ahorros de la fotógrafa y de su esposo, dinero que han conseguido con proyectos anteriores, pero se les está agotando y necesitan apoyo.

Estoy segura de que se cumplirá tu sueño y de que tu magnífico trabajo será recompensado.

Wilson A. Bentley y sus fugaces maravillas

Wilson A. Bentley    I      II      III     IV      V

“A través del microscopio descubrí que los copos de nieve eran portentos de belleza y me pareció una pena que esa belleza no pudiera ser apreciada por los demás. Cada cristal de hielo es una obra maestra del diseño, y ninguno se repite jamás. Cuando un cristal se derrite, ese diseño se pierde para siempre. Cuánta belleza perdida sin dejar ni un solo rastro.” Estas palabras fueron pronunciadas por el fotógrafo estadounidense Wilson A. Bentley en el año 1925.

Nació en 1865 en Jericho, Vermont. Su infancia transcurrió en la granja familiar donde le fascinaba el entorno natural que le rodeaba. Le encantaba estudiar las mariposas, las hojas, la lluvia y la nieve.

Cuando cumplió quince años le regalaron un microscopio. Su curiosidad se acrecentaba y deseaba retener lo que observaba. Le asombraba la nieve y se situaba en el frío invierno durante horas esperando pacientemente la caída de copos. Cuatro años más tarde, en 1885, observando lo difíciles que eran de fotografiar al derretirse tan rápido, decidió conectar su cámara de fuelle a su microscopio. El aparato fue instalado en la entrada con el fin de obtener fotos que mostraran los intrincados detalles de cada copo y para que los más delicados no se derritieran.

Cayó un copo de nieve,  cogió una pluma para colocarlo con cuidado debajo de la lente y, después de un minuto y medio, consiguió su primera fotografía con éxito.

A partir de esa primera fotografía en 1885, hizo más de 5.000 observando que cada copo de nieve era único y estaba formado por cristales de nieve.

Sus microfotografías y artículos fruto de su trabajo fueron publicados en diversas revistas científicas y populares de su época.

En el año 1904, donó una colección de 500 de sus fotografías a la Institución Smithsonian Archives para garantizar su seguridad aunque la mayor colección de sus fotografías se conserva en Jericho Historical Society ubicada en su ciudad natal.

Bentley falleció en 1931 en Jericho, su hogar donde siempre residió, a causa de una neumonía que contrajo después de caminar a través de una tormenta de nieve.

Gracias al trabajo de Wilson A. Bentley se pudieron hacer las primeras clasificaciones de las formas de los cristales de hielo.

Si tenemos en cuenta los medios con que contaba este gran hombre autodidacta, podremos valorar su genial trabajo. Desde ahora cuando vea caer la nieve le recordaré con su antigua cámara y observaré los copos de una manera diferente.

El rostro de las letras

Publio López  Rosalía de Castro  Miguel de Unamuno  Gómez de la Serna (Cafe de Pombo)

Se ha inaugurado en Madrid la exposición “El rostro de las letras. Escritores y fotógrafos en España desde el Romanticismo hasta la Generación de 1914” gracias a la iniciativa de Publio López Modéjar, académico de La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En su discurso que leyó el día 30 de marzo del año 2008 titulado “La fotografía como fuente de memoria” afirmaba:

“Constituye para mí una alta distinción ocupar el lugar de una figura gigante de nuestra cultura contemporánea, como Julián Marías, cuyo magisterio tanto ha enriquecido a varias generaciones de españoles por su ejemplo de hombre integro. Aunque no sea la persona más merecedora de ocupar su sitio, sí puedo asegurar que, como él, tampoco yo voy a renunciar a lo mejor de nuestro pasado, a nuestro patrimonio y a nuestro destino”.

“Quizás mis únicos méritos sean los de haber procurado hacer siempre honestamente mi trabajo, tal como me enseñaron mis mayores, tratando de colaborar en la construcción de una sociedad mejor”.

“También en la fotografía, un lenguaje tan próximo a la literatura, todo tiene su lugar. A mí siempre me ha cautivado su carácter narrativo, su cualidad de espejo del pasado, su extraordinaria capacidad para consolarnos de la desconsideración del olvido. Por eso quiero hablar hoy de ese poder evocador que tiene la fotografía, que la convierte en el lenguaje más adecuado para recomponer nuestra devastada memoria común”.

La exposición se organiza en cinco secciones diferentes y, en cada una de ellas, se incluyen citas y frases de los autores más representativos de la época:

– Los escenarios de la cultura: distintas imágenes panorámicas de Madrid reproducidas en gran formato.

– Los primeros retratos fotográficos: las primeras imágenes conocidas de los literatos españoles a través de postales, fototipias y tirajes en huecograbado.

– El ojo de la historia: reporteros gráficos, grandes retratistas, los miembros de la generación del 98 y los escritores de la generación del 14.

– Los fotógrafos: dedicado exclusivamente a estos profesionales y a sus galerías de retrato.

– Los ambientes literarios: fotografías de cafés y otros lugares de reunión frecuentados entonces por intelectuales, políticos y escritores.

Un arduo trabajo de más de veinte años de búsqueda de imágenes por archivos públicos y privados, españoles y extranjeros que abarca desde el año 1839 cuando se hizo público el invento del daguerrotipo hasta los últimos días de los miembros de la Generación de 1914.

Nuestros grandes maestros del Romanticismo: el duque de Rivas, Zorrilla, Bécquer o Rosalía de Castro y de la generación del 98: Baroja, Valle- Inclán, Unamuno; los modernistas guiados por Rubén Darío; los realistas: Galdós, Echegaray, Clarín, Pardo Bazán y la gran generación del cambio de siglo: Ortega, Gómez de la Serna, Pérez de Ayala y los hermanos Machado.

Una gran parte de nuestra cultura en una exposición. Espero que sea Zaragoza una de las ciudades elegidas para que, tras su presentación en la capital de España, podamos contemplarla.

“Life in color”: el resplandor de nuestro mundo

Libro      España       Nepal       India

“El color está por todas partes y puede ser tan efímero como un arco iris, tan repentino como el polvo coloreado que llueve bajo un festival o tan necesario como una defensa natural. No importa donde se mire, la vida es de colores”. Este párrafo define el libro “Life in color” reeditado por la revista National Geographic.

Un libro de fotografías realizadas por excelentes profesionales en lugares de los cinco continentes que tienen como factor protagonista la belleza presente en los colores naturales.

Se subdivide en capítulos designados para cada color: rojo, azul, verde, morado, amarillo, oro, plata, blanco, negro, naranja y marrón que comienzan con un ensayo corto explicando sus cualidades, su significado y su simbolismo.

Rojo es el color de la sangre. Simboliza la pasión, el fuego, el amor y la cólera. En culturas orientales implica suerte y prosperidad. El rojo aparece en toda la naturaleza, desde las estrellas hasta las hojas marchitas.

El color amarillo evoca el brillo del sol y tanto en la naturaleza como en el mundo artificial llama la atención: desde abejorros hasta autobuses escolares o señales de tráfico.

El verde es quizá el color más común encontrado en la naturaleza: hojas, hierba; animales, insectos y fenómenos estelares como la aurora boreal. Representa la vida, la vitalidad, la naturaleza y las ciencias ambientales.

El color azul abarca el mar y el cielo: desde el azul celeste de un tiburón de ballena hasta el azul oscuro de una noche tempestuosa y el azul cobalto de las plumas de un pavo real. Durante siglos, sus matices han representado: tranquilidad, frialdad, misticismo y tristeza.

El morado es un color versátil. Combinando el fuego de los rojos con la serenidad de los azules, tiene la capacidad de calmar y también de excitar la pasión. Es frecuente en la naturaleza desde las berenjenas a las amatistas. Ha sido adoptado como un símbolo de derechos.

Con esta introducción, podéis imaginar la variedad de temas fotografiados: animales, paisajes, personas, festivales y celebraciones tradicionales, monumentos, construcciones, gemas y objetos cotidianos convertidos en obras de arte con sus sofisticadas técnicas de trabajo.

En este libro nos demuestran cómo el color puede calmarnos y estimularnos asombrándonos con sus fotografías que captan el esplendor de nuestro mundo.

La playa de Vaadhoo y su “Mar de Estrellas”

Playa de Vaadhoo      Fitoplancton     Bioluminiscencia

En el mes de diciembre del año pasado, el fotógrafo taiwanés Will Ho retrató con su cámara el maravilloso espectáculo conocido como el “mar de estrellas” mientras disfrutaba de su luna de miel en la playa de Vaadhoo en las islas Maldivas. No sabía muy bien a qué era debido, pero desde la arena, que también brillaba, captó la belleza que tenía ante él: “Era como si brillaran pequeñas luciérnagas por encima de las olas”.

El responsable de tal espectáculo es la bioluminiscencia, fenómeno que consiste en la producción de luz de ciertos organismos vivos, en este caso el fitoplancton: seres vivos de origen vegetal que viven flotando en la columna de agua y cuya capacidad natatoria no logra superar la inercia de las mareas, las olas o las corrientes.

Para que la bioluminiscencia se produzca se necesitan al menos dos sustancias: la luciferina que genera propiamente la luz y la luciferasa que cataliza la reacción química. La combinación de estos dos compuestos en presencia de oxígeno produce la luz.

Will Ho nos aconseja deleitarnos con sus fotografías sin mirarlas detalladamente: “Tuve suerte de presenciar esta preciosa escena y poder tomar varias fotos como recuerdo, pero es triste ver la basura que hay en la playa cuando haces zoom en la fotografía”. Es lamentable que la singular combinación de cielo, agua, estrellas y luz se vea amancillada por gente carente de urbanidad.

Pati Makowska y sus mágicas fotografías de lugares olvidados

Pati Makowska    II   III   IV

Hace unos días, deambulando por Zaragoza, me sorprendió ver una preciosa fachada cuyas ventanas habían sido tapiadas, no quedaba ningún acceso al exterior y pensé lo difícil que habría sido para Pati Makowska hacer allí una de sus preciosas fotografías.

Esta joven fotógrafa polaca logra captar “la magia que poseen los lugares olvidados”: edificios, colegios, fábricas, palacios...de los que no conocemos su historia ni ubicación, pero que con sus fotografías nos permite dejar volar nuestra imaginación e inventar su pasado.

Pati Makowska ha recorrido casi toda Europa: España, Italia, Reino Unido, Islandia, Bielorrusia, Rusia para encontrarlos y poder fotografiarlos. Nos comenta lo arduo y agradable de su trabajo:

"La ubicación de estos lugares es un trabajo duro. He tenido que consultar mapas, libros históricos y guías antiguas para encontrar estos lugares. En más de una ocasión, han sido los propios vecinos de pueblos y ciudades quienes me han explicado cómo llegar al edificio que buscaba”.

"Nos olvidamos de que todo pasa; nuestra juventud es efímera, al igual que estos lugares que alguna vez fueron hermosos”.

“Estos lugares cuentan historias olvidadas de amor y guerra que se vivieron en ellos”.

“Cada fotografía es diferente, tiene una historia diferente y esconde un mensaje muy distinto”.

“Con que una persona se emocione con mi trabajo, merece la pena todo el esfuerzo”.

“Dar una dirección o localización de los mismos sólo conseguiría que perdiesen su encanto. Es mejor que permanezcan en el olvido”.

Se comenta que logra dar a sus fotografías un efecto de óleo, con el que busca homenajear la grandeza que antaño poseyeron estos edificios y el resultado lo demuestra.

Estoy segura, Pati, de que podrás realizar tu sueño de retratar la naturaleza con idéntica magia.

David de los Santos y su primer timelapse de flores

David    I    II    III

David de los Santos es un estudiante de ingeniería informática en la Universidad Complutense de Madrid. Se define como “aficionado y entusiasta de la fotografía” a la que dedica sus ratos libres. Vive en Madrid y tiene una segunda residencia en Guadalajara que le permite estar en contacto directo con la naturaleza y los animales de la zona.

Después de 9 meses y 50.000 fotografías (de las cuales sólo han formado parte del vídeo final unas 5.000), ha realizado su primer timelapse de flores.

Nos comenta el proceso:

“Tras un largo trabajo buscando las que abriesen rápido, lo he grabado en un pequeño rincón de mi habitación con dos flexos que tenía por casa y una tela negra de fondo”.

“La verdad, ha sido más complicado de lo que pensaba, más o menos de cada 3 tomas he tenido que descartar 2. Me he encontrado con problemas como que la flor se puede salir del encuadre, del foco, que al ir a echar una ojeada muevas la cámara sin querer (a veces se puede solucionar, a veces no). También se me ha llenado alguna vez la tarjeta de memoria, se ha ido la luz, la flor se ha llenado de bichos… y por supuesto, la más clásica, que la flor no se abra, la cambies por otra y justo cuando la quitas se empieza a abrir”.

En su maravilloso vídeo aparecen: gladiolos, lirios, hibiscos, clavelinas, orquídeas, dientes de león, lirios, margaritas, alstroemerias, peonías y cabellos de Venus.

Enhorabuena por tus preciosas fotografías y por tu vídeo.

Irving Penn: el fotógrafo de la elegancia

Irving Penn    Audrey Hepburn     Cuzco Children

En el Palazzo Grassi (Venecia) se exponen 130 obras del magnífico fotógrafo Irving Penn. Un hombre discreto que nunca quiso la fama, pero que por tener tanto talento no pudo evitarla. Era reacio a las entrevistas y a intrusiones en su vida privada. Según él la fama complicó sus relaciones con su fontanero que siempre había tomado sus grifos que goteaban en serio y que cuando supo quién era: "tener un grifo que gotea ya no era lo suficientemente importante”.

Nació en Plainfield, Nueva Jersey un 16 de junio de 1917. Estudió Diseño Gráfico en la Escuela de Artes Industriales del Museo de Filadelfia dónde fue alumno del fotógrafo Alexey Brodovitch, con quien más tarde trabajaría en la revista Harper’s Bazaar. Su primer trabajo para la revista Vogue fue como ayudante del artista Alexander Liberman.

En 1943 comienza a trabajar como diseñador de portadas. Después de la Segunda Guerra Mundial adquiere fama por sus elegantes y glamurosos retratos femeninos publicados en la revista Vogue, con la que colaboró hasta el final de sus días.

En el año 1953 fundó su propio estudio fotográfico en la Quinta Avenida de Manhattan: un pequeño espacio impecablemente blanco con una franja gris. No había fotografías en las paredes móviles que utilizaba para dar un ambiente más intimista a sus retratos en blanco y negro; no se podía fumar; no había música, ni ruido.

Un artista que no pretendía ser un "personaje" y lleno de dudas sobre la capacidad para poder captar las imágenes como deseaba porque, según él, las dudas estaban integradas en la profesión: “Siempre he sentido temor ante la cámara. La he reconocido como el instrumento que es, parte Stradivarius, parte escalpelo”.

Sus cualidades eran la obstinación, la determinación inflexible y el perfeccionismo rayando la obsesión que impulsaron sus dones naturales: “A lo largo de los años he gastado miles de horas silenciosamente trabajando en los líquidos, preparando cada hoja con anticipación para conseguir la impresión perfecta”.

Su estilo se caracteriza por descontextualizar a sus personajes, siempre los sitúa ante los mismos fondos grises o blancos, dejando al descubierto únicamente la personalidad de la persona que retrata: “Una buena fotografía es aquella que comunica un hecho, toca el corazón, deja al espectador con un cambio interno por el solo hecho de haberla visto, en una palabra una buena fotografía debe ser efectiva”.

Sus fotografías incluyen a famosos como Pablo Picasso, Richard Avedon, Truman Capote, Marlene Dietrich, Jean Cocteau, Colette, Woody Allen o Alfred Hitchcock; series sobre los pequeños oficios y los artesanos de Inglaterra y Francia, gente de Marruecos o Guinea Ecuatorial; colillas, botes de cosméticos, botellas, jarrones, comida y flores.

Llevó hasta lugares remotos su estudio portátil, sus focos y sus fondos blancos, para fotografiar nativos. Fue criticado por tratar a los aborígenes como si fueran modelos, en imágenes carentes de conciencia social. Hoy, aquellas fotos tomadas a finales de los sesenta en países como Camerún, que muestran a hombres y mujeres de piel azabache cargados de ornamentos blancos son expuestas en museos. Según dijo en una entrevista al diario The New York Times en el año 1991: "La gente a la que fotografié no era primitiva. La gente primitiva vive en Nueva York".

En su obra, una modelo de Manhattan y un niño de la calle de Cuzco reciben el mismo tratamiento manteniéndose fiel a sus lemas: “Menos es más" y "En la sencillez está el gusto".

Lois Greenfield: los bailarines como esculturas vivas

Lois Greenfield       Imágenes:    I      II      III

"Los bailarines ilustran el paso del tiempo, le dan sustancia y lo materializan. En mis fotografías el tiempo se detiene, una fracción de segundo se convierte en una eternidad y un momento efímero es sólido como escultura". Con estas palabras define Lois Greenfield su trabajo aunque omite la belleza que emana de él y que deleita a quienes lo contemplamos.

Nació en Nueva York en el año 1949 y su primer contacto con el mundo de la imagen lo tuvo a los catorce años cuando pasó un verano trabajando en una reserva Apache llevando consigo una pequeña cámara. Obtuvo la licenciatura en Antropología por la Universidad de Brandeis.

Compaginaba sus estudios como periodista gráfica documentando culturas diferentes lo que le permitieron seguir con proyectos antropológicos y durante su último año de universidad comenzó a trabajar profesionalmente como fotógrafa de prensa con la ambición de convertirse en cineasta etnográfica; sin embargo, al ser enviada a fotografiar un ensayo general para un concierto de danza en los años setenta, su carrera tomó un nuevo rumbo llevándola a convertirse en lo que es actualmente: la máxima exponente en captar el movimiento del cuerpo humano en el tiempo y en el espacio.

En el año 1980 fundó su propio estudio en el barrio de Chelsea en Manhattan: "Quería hacer mis propias fotos con bailarines, pero ya no desde afuera. Empecé a invitarlos a mi estudio para buscar una nueva forma de trabajar la fotografía de danza. Mi principal investigación consistía en crear momentos mágicos". Lois dirige y controla todos los aspectos relativos al fondo, la luz, el espacio y los movimientos de los bailarines sin las restricciones que exige el mundo de la danza. Dispone de un grupo de bailarines profesionales con los que realiza sesiones fotográficas que requieren un gran esfuerzo físico y que pueden resultar a veces muy duras al desafiar las leyes de la gravedad.

Lois precisa que retrata “el espíritu de la danza” y no la “danza” y que no se definiría como “fotógrafo de danza”.

Lois coordina y capta estos segundos fugaces sin trucos digitales ni arneses que sostengan a los bailarines aunque pueda parecerlo:

“No utilizo Photoshop porque no me interesa. Lo que me interesa es hacer fotos que desafíen la lógica, que sean muy misteriosas y que la gente no entienda cómo sucedió, pero que haya sido real. Si sitúas a bailarines juntos en el aire con Photoshop, son bailarines en el aire sin relación entre ellos. Y yo trabajo con bailarines porque me gusta la emoción, el sentimiento, que haya conexión en las formas, en las caras, en las líneas. El bailarín es una escultura viva, es el que crea la forma, y yo puedo dirigir la forma porque hay muchos momentos en el aire. Creo que Photoshop es una herramienta donde la tecnología crea la estética. ¿Y dónde está la persona?”.

Tal es la su influencia de su obra en el mundo de la danza, que en el año 2004 el Australian Dance Theatre creó el espectáculo “Held” en el que sus imágenes fueron transmitidas en tiempo real en dos pantallas de proyección, mostrando a la audiencia el baile y su representación simultáneamente.

Coincido plenamente con Lois cuando afirma: “Me encantan las fotos en blanco y negro. Siempre pienso que aportan algún tipo de belleza natural a una imagen”.

En el siguiente vídeo podéis percibir su magnífico trabajo. Espero que disfrutéis tanto como yo.

El fotógrafo ambientalista James Balog

James Balog       Chasing Ice       Changing Forest

Vi unas fotografías asombrosas sobre glaciares cuyo autor era el fotógrafo estadounidense James Balog. No lo conocía y al indagar sobre él supe que eran una parte de su documental Chasing Ice (Persiguiendo el Hielo) que había sido galardonado en el Festival de Sundance en el año 2012.

James Balog ha dedicado gran parte de su trabajo fotográfico al tema de las relaciones entre la humanidad y la naturaleza. Sus cámaras han captado las especies animales en peligro, la depredación de los bosques y el desvanecimiento de los glaciares.

El encargo de National Geographic de viajar el Ártico para documentar el deshielo de los glaciares le impactó mucho más de lo que había esperado: "Me quedé impresionado de la cantidad de hielo que se estaba perdiendo y, además, porque ocurría a una velocidad increíble”.

Os dejo algunas declaraciones suyas que reflejan su carácter:

"Cuando trabajé con vida salvaje en los años ochenta y noventa, aprendí el significado de la paciencia. Y cuando trabajé con árboles, aprendí el significado de la humildad".

"Siempre he creído que la fotografía es una manera de dar forma a la percepción humana".

"Es importante reconocer que los seres humanos no son la medida de todas las cosas. La Tierra es la medida de todas las cosas".

"La mayoría de las veces, el arte y la ciencia se observan entre sí a través de un abismo de incomprensión mutua".

"Ver es crear. Las imágenes hacen visible lo invisible".

"Estoy fascinado por el hielo por su belleza, su mutabilidad, su maleabilidad y las fabulosas formas en las cuales se esculpe".

Un gran profesional que cree en su trabajo y se empeña en transmitirlo a los demás.

Candida Höfer y su especial estética de los espacios

Candida Höfer  Casa del Labrador (Aranjuez) Biblioteca América (Compostela)

Quienes seguís mi blog sabéis que el arte aplicado a la fotografía, a la arquitectura y a las bibliotecas forma parte de mis debilidades y en Candida Höfer he encontrado todo además de una concepción de su trabajo fotográfico basado en la cultura y percepción que me ha impresionado.

Nació en Eberwalde (Alemania) en el año 1944. Comenzó sus estudios en la Werkkunstschule de Colonia antes de ingresar, en el año 1973, en la Kunstakademie de Düsseldorf, donde permaneció hasta 1982. Durante su estancia en esta institución, estudió primero la disciplina cinematográfica especializándose, a partir del año 1976, en fotografía con Bernd y Hilla Becher.

En la actualidad, está considerada como uno de los miembros más representativos de la Nueva Escuela de Fotografía Alemana, denominada Escuela de Düsseldorf, surgida al final de la década de los ochenta.

Desde hace tres décadas su trabajo está centrado en la realización de un extenso cuerpo de imágenes sobre interiores de edificios, preferentemente de uso público o semipúblico como bibliotecas, museos, iglesias, archivos, palacios o bancos que realiza cuando ha cesado toda actividad y se encuentran vacíos.

Os resumo sus exposiciones en España: Año Santo Jacobeo 2010, Museo de Arte Contemporáneo de Vigo (MARCO), Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla (CAAC) , Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y sus muestras habituales en la galería Fúcares de Madrid.

Ella captura lo que denomina la “psicología de la arquitectura social”. Con su particular uso del color y de la luz.

“Fotografío en espacios públicos y semipúblicos de varias épocas. Son espacios disponibles para todo el mundo en donde la gente puede relacionarse y comunicarse, donde puede compartir o recibir el conocimiento y donde puede relajarse y recuperarse”.

"La gente se hace más visible al estar ausente de un espacio".

“Fotografío interiores porque me hacen sentir más protegida”.

“Me gusta observar los espacios, fotografiarlos y crear imágenes a partir de esas fotografías”.

“Los espacios me confrontan a la manera de las personas, tienen carácter, tienen historia, tienen una profesión, tienen su propia personalidad. Muchos son similares y; sin embargo, tienen diferencias. Nunca cesan de intrigarme”.

“Me interesan las variaciones y las similitudes que se evidencian en las imágenes porque el tema general de todos estos espacios parece ser la voluntad de mostrar algo, de exhibir algo”.

“La luz la tomo tal como la encuentro ya que ésta crea el espacio. En lo que respecta a mi forma de fotografiar mi método es ‘antiguo’. Experimento mucho con distintas técnicas tanto al fotografiar como al retocar y al ampliar las imágenes. Incluso a veces utilizo el ordenador para retocar. Pero todavía no he encontrado algo que me satisfaga más que los medios que utilizo actualmente”.

“Yo sólo quiero hacer fotos y ser razonablemente feliz cuando la imagen final está ante mí. Esto puede suceder cuando la imagen final contiene un balance de luz, color y forma que refleja algo de la personalidad que había encontrado cuando vi por primera vez el espacio”.

Considero que la cualidad que define a Candida Höfer es la elegancia. Deseo que disfrutéis con el vídeo tanto como yo al realizarlo.

Evelyn Lauder: una eminente señora

Evelyn Lauder  Libro  Belvedere Castle (Viena)

Ignoraba quién había sido la promotora de la utilización del lazo rosa como símbolo internacional de la lucha contra el cáncer relacionado con la mujer y encontré a Evelyn Hausner, más conocida como Evelyn Lauder un apellido mundialmente renombrado.

Su biografía revela el carácter luchador, filantrópico y emprendedor de esta admirable mujer que lamentablemente falleció hace dos años.

Nació el 12 de agosto de 1936, en Viena (Austria) hija única del matrimonio judío Ernest y Mimi Hausner. En el año 1938 cuando Hitler se anexionó el país, huyeron a Bélgica y después a Inglaterra. En el año 1940 la familia Hausner zarpó en un barco rumbo a Estados Unidos. Cuando arribaron a la bahía de Nueva York, Evelyn estaba dormida y su madre la despertó para que viese la Estatua de la Libertad, un símbolo de esperanza que la acompañó el resto de su vida.

Evelyn asistió a escuelas públicas, de lo que siempre se enorgullecía, finalizando sus estudios de psicología y antropología en el Hunter College en el año en 1958.

Durante su primer año universitario conoció a Leonard Lauder, el hijo mayor de Estée Lauder. En el año 1959 Leonard se comprometió oficialmente con Evelyn y se casaron el 5 de julio de ese mismo año (Evelyn recordaba que Leonard fue la primera persona que la llevó a cenar a un restaurante). En esa época los Lauder eran propietarios de una modesta empresa familiar fundada en el año 1946, que manufacturaba y vendía productos de alta calidad para el cuidado de la piel: la Estée Lauder Cosmetics.

Mientras criaba a sus dos hijos, William y Gary, continuaba trabajando como maestra.

Cuando entró a formar parte de le empresa familiar, su pasión por la jardinería y las flores le sirvieron como inspiración para la creación de las nuevas fragancias: Beyond Paradise, Beautiful y Pleasures.

En el año 1992 Evelyn financió la creación del centro de mama más puntero del mundo en el hospital Memorial Sloane Kettering, de Nueva York y un año más tarde fundó The Breast Cancer Research Foundation, destinada a prevenir el cáncer de mama y encontrar una cura definitiva financiando la investigación genética y clínica dentro y fuera de los Estados Unidos. Su esposo pagó el costo de registro de la BCRF en los 50 estados. A principios del año 1995 se habían recaudado 900.000 dólares para la fundación. En diez años, la Fundación ha recaudado y repartido casi noventa millones de euros entre los científicos más eminentes del mundo.

Ese mismo año supervisó la creación de Pink Ribbon (Cinta Rosa) que era parte de su esfuerzo personal y empresarial para elevar la conciencia del cáncer de mama.

Otra de sus aficiones era la fotografía y, en el año 1992, Holly Solomon exhibió en su galería 75 fotografías realizadas por ella sobre las estaciones del año. Recibió tan buenas críticas, que Evelyn las publicó en el año 1994 en un volumen que tituló The Seasons Observed donando todas las ganancias obtenidas por las ventas a la BCRF. En el año 2002 publicó su segundo libro An Eye for Beauty, una selección de imágenes a todo color de brillantes puestas de sol en el Pacífico, primeros planos de flores, rostros o caprichosas formas de luz en el agua o el cielo.

En el año 1992 consiguió instaurar en Estados Unidos el mes de octubre como “Mes del cáncer de mama” y el Día Mundial contra el Cáncer de Mama el día 19 del mismo mes.

Os transcribo parte de las declaraciones que hizo sobre sus principios para que podáis conocerla mejor:

"Crecí viendo a mis padres dando alimentos y dinero a los pobres durante la guerra. Uno de mis primeros puestos de trabajo fue ayudar a los niños a aprender a leer. Siempre hice lo que pude para ayudar a los demás. Más tarde, cuando Leonard y yo nos casamos y tuvimos hijos, nos dimos cuenta de que los parques infantiles en la ciudad de Nueva York, en Central Park en especial, no eran tan seguros y divertidos como deberían ser, Leonard y yo decidimos hacer algo al respecto y construimos tres”.

"Leonard y yo estamos llegando a los 43 años de matrimonio y creo que para permanecer juntos durante tanto tiempo es necesario tratar de complacer a tu pareja sin renunciar a tu personalidad. Cada uno debe ayudar al otro a cumplir sus ambiciones, de manera que ambos cumplan sus sueños”.

"Creo firmemente que los padres tienen que ser muy disciplinados y a la vez muy cariñosos con sus hijos. Después de haber tenido una formación en psicología infantil y de haber sido maestra, sé que los niños necesitan el equilibrio y desarrollarse en el amor y en el afecto. Hay reglas que uno tiene que obedecer y creo que los padres tienen que ser los maestros. Nuestro trabajo como padres es enseñar a los niños un buen comportamiento, las escuelas no pueden hacerlo. Además, hay que enriquecer sus vidas con la cultura y enseñarles, sobre todo, nuestros valores".

"Saber envejecer y no tener miedo de la vejez es muy saludable”.

“Siento que todavía tengo muchas más metas y proyectos. Antes que nada, estoy decidida a recaudar dinero suficiente para dar a los investigadores la oportunidad de encontrar una cura para el cáncer”.

"La naturaleza nos alimenta, calma el espíritu y el alma. Cuando capto una imagen que ayuda a alguien a encontrar la paz, entonces he logrado mi objetivo".

“La naturaleza y los espacios abiertos me inspiran para ampliar mis horizontes visuales y espirituales”.

"Estoy al corriente de todo lo que esté relacionado con la salud, la nutrición, el cuidado de la piel, del cabello. Soy una ávida lectora de las publicaciones de todos los hospitales del país referentes a la salud de la mujer.

“Prefiero el ahora, por favor! Quiero decir, tenemos el pelo corto, el pelo largo, el pelo liso o el pelo rizado. Tenemos pantalones, vaqueros. Tenemos faldas cortas, faldas largas, tacones altos, planos, zapatillas de deporte, lo que sea. Hoy tenemos la libertad que nos permite ser lo que somos y lo que queremos ser”.

En el año 2000, por iniciativa de Evelyn, se lanzó la BCA Campaign's Global Landmark Illumination: 26 famosos monumentos en 22 países alrededor del mundo fueron iluminados (ocupándose de las diligencias necesarias la compañía Estee Lauder) con una luz de color rosa para atraer la atención (como con el lazo rosa) sobre la importancia de la salud del seno, el diagnostico preventivo del cáncer de mama y la investigación para encontrar maneras de curarlo.

A partir de entonces consiguió que, año tras año, los monumentos más emblemáticos del mundo se iluminen de rosa. El rosa es tradicionalmente el color de la mujer (cuando nace una niña sus regalos suelen ser de color rosa, mientras que con los niños son de color azul), además es brillante, vibrante y da una sensación de salud y bienestar, todo lo opuesto a lo que representa el cáncer.

En el año 1989 le fue diagnosticado un cáncer de seno cuyo tratamiento y evolución sufrió discretamente, en el año 2007 le fue detectado un cáncer de ovarios no genético que fue el causante de su fallecimiento el 12 de noviembre del año 2011 cuando tenía 75 años: “No quiero pasar el tiempo mirando hacia atrás y evaluar lo que he hecho, sólo quiero seguir adelante. Quiero llegar al punto en el que la Fundación para la Investigación del Cáncer de mama vaya a la quiebra. Todo lo que quiero es curar el cáncer. La dedicación de nuestros médicos aumenta nuestra energía para recaudar tanto dinero como sea posible para encontrar una cura”.

Espero sinceramente que sus deseos se cumplan.

Os dejo este precioso vídeo realizado gracias al tesón y a la sensibilidad de esta gran mujer.

Kim Anderson: un fotógrafo especial

I      II     III

En el mes de agosto realicé un vídeo sobre el genial trabajo del fotógrafo Kim Anderson con el propósito de hacer esta entrada creyendo que podría obtener más información sobre él.

Mis esfuerzos han sido inútiles y sólo me han aportado algunos datos. Respeto y comparto su actitud como esmerado guardián de su intimidad. Su verdadero nombre es Bertram Bahner, nació en el año 1959 en Alemania y actualmente reside en un pequeño pueblo de Suiza con su familia: su esposa Monika y sus dos hijos Nicola y Manuel.

Comenzó su carrera como fotógrafo de moda y publicidad. Trabajó más de 10 años en Verkerke Publishing (Holanda) donde elaboró posters, tarjetas, calendarios y postales.

En el año 1996 Alaska Momma una agencia de licencias de arte con sede en Nueva York compró los derechos para comercializar la marca Kim Anderson en los EE.UU: colecciones de figuritas, adornos y otros artículos de regalo.

Actualmente los derechos actuales de concesión de licencias estadounidenses a la marca Kim Anderson residen en Big Tent Entertainment Inc.

Proyecto como fotógrafo de niños.

Se inició cuando vio a su hija, que entonces tenía tres años, jugar a disfrazarse con sus amigos. Kim captó con su cámara la sencillez e inocencia de esas imágenes. Estas fotografías se incrementaron con imágenes de otros niños, entre ellos su hijo Manuel (sus dos hijos son sus modelos favoritos).

Su método de trabajo se adapta a los niños: sesiones cortas y dejar que jueguen mientras que espera el momento adecuado y espontáneo.

La participación de la familia también incluye a su esposa Monika que le ayuda a preparar las sesiones, a elegir el vestuario y los accesorios con un estilo inimitable. Bahner supervisa la impresión de cada imagen seleccionándolas cuidadosamente y aportando el color que se ha convertido en su firma: blanco y negro, sepia, ocre, amarillo o rosas rojas.

Desde que recuerdo, me ha encantado jugar a disfrazarme poniéndome los zapatos de tacón alto que mi madre olvidaba guardar y las prendas que veía en casa aunque fueran enormes. Comprenderéis que las fotografías de Bertram Bahner me evocan sentimientos de alegría y de ternura.

Os dejo el vídeo y deseo que disfrutéis tanto como yo.

Nightvision: belleza urbana en la noche

Guggenheim  Luke Shepard  La Sagrada Familia

Me embelesan las ciudades iluminadas por la noche en verano, adquieren una belleza que no es posible captarla a otra hora y, gracias a Luke Shepard, he podido visitar las más importantes de Europa en sólo 3,37 minutos que es la duración de su vídeo Nightvision.

El trabajo de este americano de 23 años nacido en Bélgica es digno de admiración. Ha vivido tanto tiempo en los Estados Unidos como en Europa y estudia cine en The American University of Paris.

Luke nos cuenta cómo lo hizo:

“Nightvision es una celebración del esplendor y de la diversidad de arquitectura encontrada a través de Europa. Durante tres meses viajé con un amigo por 36 ciudades en 21 países con la ambición de capturar algunos monumentos europeos de un modo nuevo y único.

Hay varias ubicaciones increíbles y estructuras que me habría gustado capturar para Nightvision, pero me fue imposible debido a restricciones del Pase Eurail, al tiempo desfavorable y al presupuesto limitado por el tiempo. Hice más de 20.000 fotos y fui capaz de crear 47 secuencias de imágenes acertadas, 27 de estas secuencias están incluidas en Nightvision.

Nightvision no habría sido posible sin mis partidarios de Kickstarter, del apoyo de la Universidad americana de la comunidad parisiense y, desde luego, de los que diseñaron y construyeron estas obras maestras arquitectónicas”.

Kickstarter es una plataforma para financiar proyectos creativos. Desde su lanzamiento en el año 2009, más de 4.6 millones de personas han donado 737 millones de dólares, financiando más de 46.000 proyectos creativos que incluyen todos los ámbitos culturales: la música, el cine, el arte, la tecnología, el diseño y otros campos creativos. Cada proyecto es creado por separado y sus creadores mantienen el 100 % sobre la propiedad de su trabajo. Una gran misión.

Os dejo la relación de los monumentos que aparecen en el vídeo:

• La Puerta de Brandeburgo de Carl Gotthard Langhans en Berlín.
• El Arco del Triunfo de Jean Chalgrin en París.
• La Filarmónica de Luxemburgo de Christian de Portzamparc.
• El Atomium de André Waterkeyn en Bruselas.
• El Palacio de Westminster de Charles Berry en Londres.
• La Ópera de Copenhague de Henning Larsen.
• La Fontana de Trevi de Nicola Salvi en Roma.
• La Torre de Belém de Francisco de Arruda en Lisboa.
• El Hemisférico de Santiago Calatrava en Valencia.
• La Catedral de Berlín de Julius Raschdorff.
• El Museo Guggenheim de Frank Gehry en Bilbao.
• La Catedral de Colonia de Willy Weyres.
• El Edificio del Parlamento de Imre Steindl en Budapest.
• La Ópera de Tarald Lundevall en Oslo.
• The Shard de Renzo Piano en Londres.
• La Torre de Telecomunicaciones de Hermann Henselmann y Jörg Streitparth en Berlín.
• El Museo Bode de Ernst von Ihne en Berlín.
• La Mezquita Azul de Sedefkâr Mehmed Agha en Estambul.
• La Catedral Alexander Nevsky de Alexander Pomerantsev en Sofía.
• El Puente de la Torre en Londres de Horace Jones y George D Stephenson.
• El Reloj astronómico de Mikuláš de Kadaň y Jan Šindel en Praga.
• La Iglesia de la Abadía de Fraumünster de Staffelbach Meier y Marc Chagall en Zurich.
• El Palacio de las Artes Reina Sofía de Santiago Calatrava en Valencia.
• El Ayuntamiento de Viena de Friedrich von Schmidt.
• El Teatro Nacional de Denys Lasdun en Budapest.
• La Sagrada Familia de Antoni Gaudí en Barcelona.
• El Coliseo Romano en Roma.
• The Crystal de Schmidt Hammer Lassen en Copenhague.

Estoy segura de tu triunfo profesional y personal, Luke.

Un magnífico trabajo de un joven profesional apasionado del Arte. Espero que disfrutéis tanto como yo al ver su vídeo.

El fotógrafo David Doubilet y su pasión por el mar

I      II    III

Encontré a David Doubilet buceando, pero no como él, en Internet deleitándome con unas maravillosas fotografías que después supe que eran suyas. Un reputado fotógrafo submarino al que no conocía y que me fascinó profesional y personalmente.

Nació en Nueva York en el año1946 y su pasión por el mar empezó en un pequeño lago que se encuentra en las montañas de Adirondack cuando se encontraba en un campamento de verano. No le atraían las montañas ni las excursiones por el campo. Un monitor, al observarlo, le sugirió ponerse unas sencillas gafas de buceo y mirar el fondo del lago: “Todo lo que sabía acerca de la vida cambió por completo. Era un mundo completamente diferente al mundo en el que vivimos, el mundo de la gravedad y del aire. Y fue alucinante, incluso para un niño de ocho años de edad. Supe la dirección que quería tomar”.

Vive en el pequeño pueblo de Clayton, Nueva York que se encuentra cerca del río St. Lawrence en contacto con la naturaleza y su medio preferido: el agua. Su segunda residencia es otro pequeño pueblo costero, pero un poco más alejado, Dekolder en Sudáfrica.

La fotografía analógica es su preferida. Para poder captar toda la fauna submarina su equipo se compone de varios focos, cámaras y soportes especiales para poder estabilizarlas. Inventó su técnica fotográfica de lentes separadas que le permite tomar fotos por encima y por debajo del agua al mismo tiempo. Nos habla de su profesión:

“Es uno de los trabajos más maravillosos que hay en el mundo, no es el más fácil. A veces es francamente loco. Es un trabajo que combina la necesidad de detalles exactos con una cierta cantidad de esfuerzo físico por tener que combinarlo con la natación y el buceo.”

“El mar es un mundo que ocupa la mayor parte de nuestro planeta; sin embargo, no nos damos cuenta. Hemos tenido gente en el espacio durante un año y medio, supongo, pero bajo el agua creo que el tiempo más largo que la gente ha sido capaz de permanecer allí es de treinta o cuarenta días. Estamos empezando a concebir la idea de lo que es esta parte, la más hermosa y más misteriosa de nuestro planeta”.

“Uno siempre está aprendiendo y nunca hay un trabajo terminado. Siempre hay algo más que conseguir, una cosa más que tienes que hacer”.

David Doubilet es miembro fundador de la Liga Internacional de Fotógrafos de Conservación (ILCP) cuya misión es la conservación del medio ambiente y del mundo marino a través de la fotografía:

“Hay que pensar en este planeta como un planeta de agua, no como un planeta de tierra. Lo que realmente es el corazón y el alma de lo que es la vida. En este universo muy, muy vacío, muy, muy oscuro, está este pequeño orbe que brilla intensamente azul”.

“Es una situación muy insidiosa la que está ocurriendo en estos momentos en el mar debido al cambio climático y, más concretamente, a la enorme cantidad de CO 2 que estamos poniendo en la atmósfera y que es absorbida por el mar. Y este embalaje de CO 2 en el océano ha reorganizado y ha cambiado la química del océano”.

“Las líneas entre ser un simple fotógrafo y activista están muy borrosas hoy día. Creo que todo el trabajo del fotógrafo es hacer imágenes que sean convincentes. Antes de proteger algo es necesario saber exactamente lo que está pasando y cómo protegerlo”.

“Temo que muchas de las imágenes que he hecho bajo el agua van a ser documentos de un tiempo pasado, y eso es un pensamiento aterrador”.

Deseo que no suceda lo que temes y podamos seguir disfrutando al admirar tus preciosas fotografías.

Saúl Santos Díaz: amor por la fotografía

Saúl Santos  Su fotografía preferida

Conocí a Saúl Santos Díaz por azar. Vi varias fotografías que me encantaron en diferentes sitios subidas por diferentes personas y, cuando en uno de ellos apareció su nombre, comprendí por qué plasmaban lo que a mí me fascinaba: maravillosa naturaleza con un sello especial, la belleza que Saúl capta con su cámara.

Este joven fotógrafo canario nació en Fuencaliente, un municipio situado en el sur de la isla de La Palma en el año 1979. Toda su infancia y adolescencia transcurrió entre carretes, cámaras y cuartos de revelado porque su padre, Juan José Santos Cabrera, es fotógrafo autodidacta muy querido en la isla. Ambos colaboran en calendarios y proyectos de fotografía de paisajes.

Saúl estudió decoración en la Escuela de Arte de Santa Cruz de La Palma y, por consejo de una de sus profesoras, también hizo un curso de fotografía artística. Cuando terminó, con apenas 20 años, no estaba seguro si era su vocación. Se trasladó a Tenerife donde consiguió un contrato de prácticas en un periódico de la Isla y se pasó tres años retratando la actualidad mientras seguía formándose: "El fotoperiodismo siempre me gustó, pero después de un tiempo sentí que tenía que dejarlo. Quería hacer varios masters que me interesaban. Además quería seguir experimentando, era demasiado joven para encasillarme en un campo. Y sabía que para eso tenía que salir de la Isla”

En el año 2006 fija su residencia en Madrid y, después de terminar sus estudios en la CEV (Escuela Superior de Comunicación, Imagen y Sonido), se convirtió en fotógrafo profesional y técnico superior de fotografía artística consiguiendo que sus sueños se hicieran realidad.

A partir de 2007 viajó a Buenos Aires, Brasil, Chile, Uruguay, Perú y Bolivia con el objetivo de hacer reportajes, especialmente en la Patagonia y en la Cordillera de los Andes que le fascinaban. Tras numerosas colaboraciones y exposiciones a nivel mundial que podéis ver en su blog, en el año 2011 continuó su trabajo en América del Sur.

Os dejo algunas de sus declaraciones para que podáis conocerle mejor:

“Quien quiera dedicarse a la fotografía hoy en día debe analizar y observar, tanto lo que se encuentra a nuestro alrededor como empaparse de miles y miles de imágenes de diferentes autores, mientras más, mejor. También fotografiar todo lo que podamos y nos guste, ir observando el trabajo y ver cómo mejorarlo día a día. Poco a poco y con tiempo se debe encontrar qué es lo que se quiere trasmitir y para quién, encontrar un estilo propio que haga diferente nuestro trabajo”.

“Detrás de cada fotografía se esconde una historia de sentimiento y trabajo. El nivel de exigencia y calidad de un trabajo, bajo mi humilde opinión, conlleva un poco de todo: vocación, entrega, pasión. Supongo que también es, en gran parte,  tener la capacidad para ello, que obviamente como en todo, pocos la tienen”.

“A veces me he sentido en la más inmensa soledad, pero el hecho de poder disfrutar con mi cámara de semejante espectáculo me hace olvidar cualquier dificultad. No siento ni frío, ni calor, no existe el cansancio, simplemente no siento ni padezco. Sólo puedo pensar en cazar, plasmar y gozar como un niño de todo aquello que veo. Creo que ahí está la esencia y el por qué de hacer una buena foto”.

“Mi viaje a Perú fue corto, tan solo 11 días, pero tan intenso y enriquecedor como ningún otro, por los rincones, paisajes, pero sobre todo por sus gentes, unas sensaciones y sentimientos que se impregnaron por completo en mí… Cuánto callan y cuánto dicen esos niños con sus ojos: timidez, miedo, con un semblante profundo y miradas perdidas buscando un camino, una oportunidad”.

Su foto favorita es Amanecer en el Parque Nacional Torres del Paine en la Patagonia Chilena y nos cuenta el porqué:

“Mis ojos no daban crédito a tanta belleza, era la primera vez que veía un lugar tan hermoso, desde un punto con un marco incomparable, acompañado de un amanecer que no olvidaré en la vida. Recién nevado, color otoñal, el río sedoso y tranquilo, un cielo gris que se tornó en un rojo incandescente sobre los colosos…En ese momento descubrí la magia de la Patagonia y cómo cambia el tiempo en segundos, también aprendí que hay que tener paciencia, que siempre la naturaleza nos recompensa. Por todo esto, la historia y la foto son tan especiales para mí”

Estoy segura de que conseguirás todo lo que te propongas y nos harás disfrutar con tus preciosas fotografías.

Michael Kenna: fotografía y sensibilidad

Michael Kenna

Quixote's Giants, Consuegra, Spain

Leyendo las noticias, que cada vez me producen más tedio, tuve la gran suerte de ver las fotografías de Michael Kenna a quien debo agradecer lo mucho que he disfrutado haciendo esta entrada.
Las fotografías en blanco y negro, para mí, tienen algo especial que me seducen y Michael Kenna tiene una sensiblidad especial que queda reflejada en ellas. Os resumo su biografía: nació en Widnes, Inglaterra en 1953. Su familia era irlandesa católica de clase obrera y cuando tenía once años ingresó en St Joseph’s College (un seminario católico) en Inglaterra en el que estuvo siete años. Allí sintió que su vocación no era el sacerdocio; sin embargo, durante ese tiempo sintió que la pintura le atraía cada vez más. Durante un año asistió a Banbury School of Art (la Escuela de Arte de Banbury) donde estudió pintura, escultura, tejidos, orfebrería y además descubrió su verdadera vocación: la fotografía. En el año 1973 se matriculó en London College of Printing para ampliar sus conocimientos durante tres años.
La pintura seguía apasionándole pero era consciente de que no podría aportarle el dinero sufí ciente para vivir. Decidió empezar con la fotografía comercial sabiendo que con la publicidad podría conseguirlo:

“El trabajo comercial me ha dado un valioso apoyo financiero para trabajar en proyectos muy personales y no comerciales. Es a menudo un compromiso entre los pensamientos y las ideas del cliente, la agencia de publicidad y el fotógrafo. De vez en cuando he tenido trabajos de ensueño donde se me ha dado el tiempo y la libertad para fotografiar lo que quiero, cuando quiero. De vez en cuando, tengo que reproducir fotográficamente un diseño bastante estricto. Esto es, desde mi punto de vista, la alternativa menos satisfactoria y creativa. No estoy obligado a tomar estos trabajos. Siempre hago el mejor trabajo profesional que puedo pasando un buen rato y finalmente estoy aliviado y agradecido de que puedo contribuir a otro semestre de la educación universitaria de mi hija”.

Michael Kenna sabe combinar y aprovechar su talento e inquietudes. No se resigna, aprovecha lo mejor en cada instante: “En la vida no tenemos suficientes horas para hacer todas las cosas que nos gustaría hacer. Pero tal vez sea una de las grandes lecciones de la vida contentarse con lo que estamos haciendo en realidad. Esa es una lección que me viene a la memoria con frecuencia”. Su concepción de la fotografía y su método de trabajo reflejan su serenidad, humildad y tesón: 

“No tengo ningún método en particular para mi locura. Cuando decido fotografiar, a veces elijo ‘dónde’ y luego busco el ‘qué’ cuando llego allí. Es sencillo, no hay magia involucrada. Tengo una teoría que parece funcionar para mí: las mejores ideas vienen a través del pensamiento de otra cosa.

<“A menudo me preguntan por qué no fotografiar a nivel local y mi respuesta por lo general se relaciona con la dificultad de ser espontáneo. Me gusta trabajar sin límite de tiempo, sin que nadie haga preguntas, sin teléfonos, etc. Cuando voy a algún lugar que no sé si voy a estar allí durante cinco minutos o cinco días”.

“Ser creativo para mí significa a menudo fotografiar las cosas de una manera que puede parecer completamente normal en el momento, pero que puede llegar a ser extraordinario después. Creatividad significa estar abierto, escuchando lo que viene de dentro y de fuera, lo cual es muy difícil de hacer cuando se está mirando el reloj. Es importante estar centrado y concentrado, lo que para mí significa generalmente ser solitario, lejos de las distracciones”.

“Mientras el mundo a mi alrededor se acelera, mi tendencia es disminuir la velocidad”.

“En mi trabajo fotográfico estoy generalmente atraído por los lugares que contienen recuerdos, atmósferas e historias. Estoy interesado en los lugares donde la gente ha vivido, trabajado y jugado. Usando la analogía del teatro, yo diría que me gusta fotografiar el escenario vacío, antes o después de la actuación, incluso en medio de actos”.

“En mis fotografías trato de ser sensible y receptivo. Todo lo demás sigue naturalmente”.

“El trabajo no se limita a tomar una fotografía, sino que debe extenderse a la combinación perfecta entre la imagen y la impresión, la materialización perfecta de la visión inicial. Esta dedicación también puede ser vista como una forma de cuestionar constantemente y evolucionar el proceso creativo”.

“El estilo es el resultado final de la experiencia personal. Me siento atraído por los lugares y temas que tienen conexiones personales”.

“Elijo fotografiar la ausencia de gente, el recuerdo de su presencia, los restos de lo que queda atrás”.

“Las fotografías pueden ser invitaciones a la gente a usar su propia imaginación en base a sus propias experiencias. Todos vemos una fotografía diferente, como todos vemos el mundo de manera diferente. Prefiero sugerencia sobre la descripción específica”.

Sus horas preferidas para trabajar son inusuales, pero no para una persona solitaria y tranquila como él:

“Noche y día son una y la misma cosa, son partes de un todo. Puedo fotografiar muy a gusto durante el día, la noche, al amanecer o al atardecer. Me gusta fotografiar en cualquier momento y hay cualidades en cada momento del día y de la noche que deben ser apreciadas, así es que trato de entrar y salir a su antojo”.

“Fotografiar de noche es fascinante porque durante un período de tiempo el mundo cambia: los ríos fluyen, los aviones pasan volando, las nubes se mueven y la posición de la Tierra respecto a las estrellas es diferente. Esta acumulación de tiempo y eventos, imposible de captar para el ojo humano puede ser registrado en la película. Por la noche, la luz puede provenir de fuentes inusuales y múltiples. La noche tiene un enorme potencial para la creatividad”

Michael Kenna ha logrado unir sus dos pasiones: ser un pintor en sus fotografías. Coincido con él en todas las declaraciones que ha hecho y siempre es gratificante encontrar profesionales como él.

Fuentes: Una luz en la oscuridad, A hombros de gigantes.

Henrik Sorensen: la fotogafía como arte creativo

Henrik Sorensen

fotografía Fontaine

Soy una gran admiradora de la fotografía, por esta razón cuando vi las que realizaba Henrik Sorensen me fascinó la belleza y creatividad de este joven fotógrafo.

Sólo puedo deciros que nació en Dinamarca el 16 de septiembre de 1967 y que, después de finalizar sus estudios en el año 1985, empezó a trabajar como fotoperiodista.

No he podido encontrar nada más sobre su biografía: el lugar exacto dónde nació, dónde estudió, cómo se llaman sus padres, si tiene hermanos…nada. Protege su vida privada y no voy a indagar más, merece todo mi respeto.

Sobre su trayectoria profesional se sabe que a lo largo de los años 1990 se empezó a valorar su trabajo como fotógrafo en la mayoría de las principales revistas danesas y europeas. Después de una década cambió de rumbo trasladándose al ámbito documental y a la fotografía comercial. Sus fotografías aparecieron en revistas como New York Magazine, The New York Times, San Francisco Chronicle, Production Paradise de Copenhague y agencias de prensa entre otras.

Colabora con el Departamento Creativo de Getty Images y hace 4 años su inquietud le condujo a la fotografía submarina combinada con el ballet, utilizando el universo sumergido en un campo creativo.

En una entrevista titulada La fotografía como pasión, concedida al Magazine SPEND IN el mes pasado declaraba:

Ahora, me he enfocado hacia un tipo de fotografía más organizada y conceptual, por lo que se podría decir que busco la que quiero tomar. Trabajo disparando series de imágenes de un mismo objeto. En este proceso la fotografía va cambiando, aparecen nuevas dimensiones y, en muchas ocasiones, la mejor es la que se ha desarrollado durante el montaje en sí.
 
Me encantan el blanco y negro, pero en los trabajos de los últimos años he usado mayoritariamente el color aunque de una manera bastante monocromática en la búsqueda de una expresión gráfica sencilla y limpia.
 
Soy totalmente dependiente de la buena luz, natural o artificial, y trato de usar la que más convenga a la fotografía. Me encanta hacer fotografías en España, tanto por la luz como por el clima, y estoy seguro de que llevaré a cabo más proyectos. Me apasionan las zonas erosionadas como las Islas Canarias.

Estoy segura de que Henrik Sorensen no cesará de sorprendernos.

Anne Geddes: una fotógrafa que emana ternura

Anne Geddes

Desde que vi por primera vez, no sé el tiempo transcurrido, la primera tarjeta de felicitación de Anne Geddes (tenemos algunas más, aparte de las que enviamos) me quedé fascinada: eran cinco bebés preciosos vestidos de abejas. También tenemos un puzle  con estos siete bebés que ilumina la habitación en la que lo tenemos colgado.

Lo último que he comprado es el Calendario de Anne Geddes "Mi primer año", que incluye: consejos, una guía del desarrollo del bebé, un bolsillo para notas y fotografías y pegatinas. La portada es un lindo bebé durmiendo. No lo he comprado para mí (como podéis suponer) sino para que mi cuñada Emma disfrute llevando toda la evolución de mi preciosa sobrina Sofía, que todavía no ha cumplido dos meses, ayudada por sus dos lindos "caballeros" Javier y Miguel. Son tres ángeles que me tienen privada.

Como podéis deducir soy una admiradora de la fotógrafa australiana Anne Geddes, por ello he decidido hacer esta entrada que me ha permitido conocerla mejor como artista y persona.

Nació el 13 de septiembre de 1956 en Queensland (Australia) y, según cuenta, siempre le ha gustado observar y estudiar minuciosamente las imágenes de sus revistas favoritas: National Geographic y Life.

De carácter inquieto, después de trabajar en diferentes áreas, fue contratada como secretaria de una cadena de televisión en Brisbane, Australia, donde conoció a Kel Geddes director de programación, con quien se casó en Hong Kong en 1983. En 1984 nació su primera hija y en 1986 la segunda.

Fue en Brisbane donde decidió abrir un pequeño negocio dedicado a la fotografía, retratando a los hijos de vecinos y amigos en espacios familiares como la casa o el jardín.

Publicó su primer calendario en Nueva Zelandia, con el cual recaudó 20.000 dólares que donó para luchar contra el abuso infantil. No fue fácil porque al no conseguir editor ni distribuidor tuvieron que venderlo puerta a puerta llevándolos en su camioneta. Fundó una institución en el Chilndren’s Hospital de Sydney en 1956.

Pasado un tiempo, por fin, fundó con su esposo su propia ONG: Geddes Philanthropic Trust, cuyo objetivo es prevenir y combatir el abuso infantil en Australia, Nueva Zelanda, Estados Unidos y Reino Unido. Su misión es triple:

• Incrementar la conciencia mundial sobre los temas de la prevención del abuso y abandono infantil.
• Proporcionar fondos a instituciones o grupos que los necesiten.
• Financiar becas a nivel mundial para que médicos y otros profesionales de la medicina sigan trabajando en esta área tan importante.

Actúa a nivel internacional apoyando desde sus inicios a instituciones benéficas como la Cruz Roja Internacional en Alemania, Enfance et Partage en Francia, Feed the Children en EEUU que actúa a nivel mundial.

En el año 2010 cuando se produjo el terremoto en Haití, Feed the Children se encargó de la distribución de la ropa infantil que Anne donó (valorada en 50 mil dólares) y en 2005 después del huracán Katrina en los EE.UU regaló más de 20.000 artículos de ropa para bebés.

A principios de 2005 cuando el Tsunami asoló el sureste asiático, donó más de 83.400 dólares a UNICEF.

En 2001, Geddes Philanthropic Trust contribuyó con 1 millón de dólares a Childhelp EE.UU. fundación dedicada a combatir la proliferación de abuso infantil.

Su dogma es: proteger, cuidar y amar a todos los niños.

Uno de sus proyectos más impactantes lo realizó en el año 2004 Miracle (Milagro) en colaboración con Celine Dion: Ana y Kel conocieron a Stacy, una niña de nueve años luchando contra el cáncer, una gran fan de Celine. Anne se puso en contacto con Celine quién llamó a la niña al hospital.
Así se conocieron compartiendo los mismos valores. Con las fotografías de Anne y la música de Celine surgió Miracle: una celebración de la nueva vida y de los bebés, publicado simultáneamente en 22 países y en 11 idiomas.

Anne también ha publicado libros: Beginnings (Principios), A Labor of Love (Un trabajo de amor), Pure (Puro), Until Now (Hasta ahora), Down in the Garden (En el Jardín), Be Gentle with the Young (Sea amable con los jóvenes), Thoughts With Love For Mother (Pensamientos de Amor para la Madre), Labor of Love: An Autobiography (Labor de Amor una autobiografía) y My First Five Years (Mis primeros cinco años) entre otros.

Sus fotografías han sido publicadas en 83 países de Norteamérica, Europa, el Reino Unido, Australia, Nueva Zelanda, América del Sur, el Medio Oriente, África y Asia. Sus libros han vendido más de 18 millones de copias en todo el mundo y han sido traducidos a 24 idiomas.

Así es Anne Geddes: una prestigiosa fotógrafa y escritora autodidacta, solidaria, entrañable y amante de su familia. Actualmente trabaja con sus dos hijas en su estudio de Sidney y sigue transmitiéndonos ternura con sus bebés y niños en harmonía con la naturaleza.